10233121 賴昀亞

1. 1950s～1980s的大眾媒體有哪些？ 它們的傳遞路徑為何？它們的內容為何？受眾為哪些？ 大眾媒體，又稱大眾傳媒，是指在一個國家或地區中具有大量受眾（大眾傳播）的一類傳播媒體，它同時具備第三產業、知識產業和資訊工業的共同特徵。 1.印刷（包括圖書、小冊、報紙、雜誌等）：自十五世紀後期開始。 2.錄音（包括黑膠唱片、磁帶、卡式錄音帶、CD、DVD等）：自十九世紀後期開始。 3.電影約從1900年開始。 4.電台廣播約從1910年開始。 5.電視約從1950年開始。 「包括生產和傳播的技術及制度方法」，在時間和空間上的廣泛傳播。 「符號形式的商品化」，材料的生產依賴於其製造和銷售大量作品的能力。 「隔離開資訊的生產製造和接收」。 「在時間和空間上的廣泛傳播」 。 「資訊分發」——是一種「一對多」的交流模式，產品大量生產並分發給大量受眾。 2. 從課堂上所介紹過的藝術家：Andy Warhol, Cindy Sherman, Barbara Kruger, Roy Lichtenstein, Jeff Koons, Jesper Johns等六位藝術家選三位進行討論，其作品與當時的生活情境（經濟、政治、文化、大眾媒體）的關係。 普普精神：「藝術只存在於小眾？我就是要大量複製」 普普藝術起源于英國，但真正爆發出影響力卻是在1960 年代的紐約。普普藝術將當時的藝術的優越性帶回物質的現實層面，而成為一種通俗文化。普普藝術的精神是十分美國化的，對影視名星的熱衷，對名利的經營與追求。它確實改變了人們接受藝術的態度。而對現代藝術美學的破壞與改變，也將藝術普遍化，他們甚至影響到一般人在生活中對藝術的體認，這些都是具有其歷史性意義的。 Andy Warhol 他為六零年代的紐約帶來了全新的商業風貌，把藝術脫去高貴的糖衣，以普普藝術著稱的安迪・沃荷不只改變了紐約，也影響了後世與當代的藝術及消費文化。 對於自己的作品，安迪・沃荷曾說：「如果你想了解我，不要往深處想，我就在最表面的地方，背後沒有東西了。」安迪・沃荷不介意人家說他的作品膚淺，他也說普普藝術沒有什麼好分析的，因為它就是我們看到的那樣：「很討喜、有點小聰明、性感。」這是一種在精神上認可所有老百姓都可以參與藝術、共襄盛舉的大眾文化。也有人說它用...

傑夫·昆斯 1955 年生於美國， 1976 年畢業于馬里蘭藝術學院。大學畢業後，昆斯並沒有立即從事與藝術相關的工作， 22 歲時 , 昆斯移居紐約 , 在紐約當代藝術博物館裡謀了一個職位。在新表現主義藝術盛行的年代裡 , 昆斯是個完全不被接受的異類。作品的市場反應非常冷淡 , 昆斯沒收穫到任何利益。為了繼續藝術創作生涯 , 昆斯去華爾街當起了證券經紀人 , 同時一邊進行創作。 80 年代初，作為 Neo-Geo 的激進的宣導者，昆斯首次進入人們的視線，引起藝術界的關注。 Neo-Geo 所提倡的挪用與滑稽的模仿是這個時期昆斯藝術創作的核心。應該說美國 60 年代蓬勃發展的波普藝術對昆斯產生了致關重要的影響，昆斯以滿足、好奇甚至是玩樂的態度表現了光怪陸離的現代商品社會。 80 年代初，昆斯借鑒了杜象的挪用與拿來主義，讓精美的現代商品絲毫不損地轉入藝術狀態，他的放在有機玻璃罩中的吸塵器、懸浮的籃球，在看不懂中給人們帶來不盡的遐想，至今讓人記憶猶新。各種各樣的商品、廣告、卡通玩具不僅表現了多姿多彩的現代商品社會，也表現了現代人似孩童般無休止的消費欲望。昆斯成長於商品社會高速發展的美國，並有著雖然短暫卻一生難忘的從商經歷，因此，雖然同以大眾商品為表現物件，與第一代波普藝術家的含蓄地批判精神不同的是，昆斯的作品充滿了滿足與自我陶醉。他有意打破了人們習慣了的美的標準，將最庸俗的大眾圖像以十分精緻的手法表現出來，特別是他與夫人親昵的系列作品，因以色情、暴露之嫌自然地引起不小的爭議。 傑夫·昆斯是80年代中期升起的藝術之星，他以準確精緻的日用品的複製品、可愛的卡通形象以及充滿想像力的大眾圖像組合不斷地給世人帶來一個又一個新的視覺衝擊，他是當代波普藝術的探索者。傑夫·昆斯毫不猶豫地汲取了藝術史上的一切養分，達達主義、杜尚手法、極少主義以及早期波普藝術都成為他參考與借鑒的源泉。他高舉與大眾交流的大旗，勇於向"高雅"文化叫板，向傳統美學的等級理念挑戰。 昆斯有很多關於金錢和藝術辯證關係的名言。“在這個資本氾濫的社會裡,藝術品不可避免地要成為商品……我們不要再兜圈子了,還是一上來就當藝術品是商品一樣生產吧。”成名於上世紀80年代的昆斯是美國當代最著名的藝術家之一,被認為是繼安迪·沃霍爾之後最重要的波普藝術家。昆...

美國攝影藝術家 Cindy Sherman 辛蒂雪曼, 跟很多女生一樣，喜歡自拍跟扮裝。1954年出生于美國紐澤西，父親是工程師，母親是老師，雖然並未從小接觸藝術，但我相信，她就像每個女人一樣，天生就帶著某方面的藝術感知與天賦。幸好有父母支持，先在紐約州立大學（State University of New York at Buffalo）學習繪畫，後來認為攝影更能表達她心中的想法，而轉換跑道，事實證明，今年已60歲的她，成就非凡，且依舊活躍于攝影藝術中。 1977年，Cindy Sheraman 開始創作無題電影停格系列  <Untitled Film Stills>，有如當時好萊塢電影劇照的黑白攝影作品，呈現當時受到媒體青睞的女性形象。 直到近期，她的作品總是從 pop culture 流行社會文化裡取材，自己扮裝自拍不同，從電影明星、雜誌模特兒，到時尚名媛，在每個看似符合社會期待的角色扮演（Social role-playing），與象徵美麗性感的經典形象裡（Sexual Sterotype），她總讓自己的妝容帶點瑕疵，誇張的燈光、戲劇效果，加上呆滯、不自然、嘲諷的表情，這些看似經由精心打扮、粉墨登場的女人，其實是在對主流社會賦予女性的刻板印象，發出無言的抗議。 早期 <Untitled Film Stills >系列 1981年 <Centerfolds>雜誌插頁系列，以男性閱讀情色雜誌的視角，扮演女人在情色雜誌中的受害者角色。這些女人以俯臥撩人的姿勢、驚恐的眼神，似乎在控訴男性以「欣賞」的眼光，駐足於這些他們眼中認定的女性尤物印象時，我們內心的不安的與不是滋味。 就這點來說，Sherman 作品的表現形式，或許是虛幻的，卻同時反映出虛幻與真實。如果說 Andy Warhol 安迪沃荷是男性普普藝術的先驅，那麼 Cindy Sherman 可說是20世紀女性普普藝術的代表，有如早期藝術界的 Lady Gaga。 雖然她並沒有自詡為女性主義的實踐者，但她確實是20世紀最重要的女性攝影師之一，她的作品也常被女性主義評論家，認為是當代最傑出的女性藝術代表之一。 1981年<Centerfolds>雜誌插頁系列 除了藝術表現外，Cindy Sherm...

達達發生於第一次大戰期間，影響到現在活動中的每個新藝術運動，現代藝術都是達達的變奏或展開 。 達達主義( Dadaism )1913年杜象在紐約領導，第一次世界大戰爆發，緊張的空氣對當時的藝術家造成了多種不同的影響和衝擊。來自歐洲各地的藝術家，聚在瑞士中立國，創造了反戰反現代生活反藝術的作品。 　　　自稱為「達達」 ( Dada )，畫家如曼瑞( Man Ray )將釘地氈用的大頭釦黏在電熨斗底部，杜象(Duchamp ) 則將一張印有達文西的著名的「摩娜麗莎」 的印刷品，在嘴上添了兩撇鬍子。他們反對嚴肅的藝術。當他們試圖要破壞藝術的時候，反而為新藝術開新的途徑，新的可能性。 代表人物杜象、畢卡比亞、阿爾普。 第一次世界大戰後，由建築師葛羅庇屋斯( Gropius )創設， 1919年在威瑪 ( Weimar )建校，後來又遷往德累斯頓( Dresden ) ，只存在了十四年，對現代生活的影響大。 　　主要概念為「造形或形式須有助功用和機能」，好的產品是好看而好用。精神是把「美」帶進生活中每件事物用品裡，使生活加偷快。德國的包浩斯因納粹關閉，教授那基( Moholy Nagy )於1938 年將包浩斯理想帶到美國，在芝加哥設立設計學院，對設計界有極大的影響。包浩斯的教授團中，包括幾位重要畫家: 康定斯基、克利、那基和費寧格 ( Feininger ) 。 十九世紀的印象主義（Impressionism）常被視為現代藝術的開始；達達主義（Dadaism）則可以被視為二十世紀現代藝術的新起點。達達運動發生在第一次世界大戰期間，而且其幾乎影響到所有後來的藝術運動。達達主義一開始是由杜象（Marcel Duchamp, 1887-1968）於1913年在紐約所領導，以及詩人查拉（Tristan Tzara, 1878-1941）於1916年在蘇黎士所領導的兩個性質雷同、平行的現代藝術運動。這兩股勢力於1918年在瑞士集合起來，才發表了「達達主義宣言」。其中一些成員後來轉入政治活動，藝術活動則是轉往巴黎發展，到1924年為止，轉變成另外一種相同本質，卻更有力量的藝術運動──超現實主義（Surrealism）。 杜象   下樓的裸女二號  1912 年 油彩‧畫布， 146 x 89 公分 費城美術館，費城，美國 一...

Q1:How does one achieve elernal bliss? 雨果·巴爾說：「如何實現永恆的幸福？你只需要念：達達。」而也有人問杜尚：「藝術的真諦是什麼？」 杜尚回答：「沒意義，一切都是沒意義的。」曾經在別的地方看過說， "達達"是小孩子還不會講話前發出無意義的聲音。會不會就是希望人會回到像小孩般，無欲無求最原本的樣子，只剩最原始的本能與需求就是"永恆的幸福"吧! Q2:How does one become famous? 安迪‧渥荷說:「每個人一生中都有十五分鐘成名的機會。」從影片中，可以看到在那個時代背景下，能跳脫現實框架與打破傳統，大膽地和別人不同，就有成名的機會。 Q3:With noble get ture and delicate proprsety till one goes crazy,till one loses consciousness . 看到這個描述，讓我想到朱昱的死亡美學。其中最讓我印象深刻的是，在《獻祭》這個藝術作品裡，朱昱用自己的孩子——四個月大的胎兒去餵食一條狗。首先他找到一個能夠與他合作的女人，然後在醫院裡進行了人工授精，使這個女人受孕。在其懷孕四個月後到醫院進行了人工引產。引產出的胎兒被放置在他自己家裡的冰箱內。然後他把一張用白布包裹的桌子放置在露天平臺上，將一條從集市上買回來的狗與那個被引產出來的胎兒一同放在桌子上，為了讓狗能夠吃掉他自己的孩子，他餓了這條狗一整天，又買了些鹵水塗在死胎身上以增強狗的食欲。由於死胎已經很大，狗無從下嘴，他只好用餐刀將這個死胎切成小塊去餵食那條狗。整個過程持續了近二十分鐘，直到狗不吃了為止。他用極強烈的方式來表現他想做的作品。

朱昱永遠對死去的東西保持著迷戀，在他的《全部知識學基礎》這件行為藝術作品裡，他把切割後的人腦腦漿裝進罐頭瓶子裡展示和出售；而《袖珍神學》則是用一隻懸掛在天花板上的死人胳膊，手裡握著一條長繩，繩子在地上纏繞，一圈又一圈，直到纏滿整個房間；在作品《植皮》裡朱昱把自己身上移植下來的的一塊表皮，縫在一塊死豬肉上面；《食人》在國內外引起了不小的轟動，這件藝術作品展示的是他在廚房裡清洗死胎（六個月大）、烹飪死胎和食用死胎的全過程；在《獻祭》這個藝術作品裡，朱昱用自己的孩子（四個月大的胎兒）去餵食一條狗。首先他找到一個能夠與他合作的女人，然後在醫院裡進行了人工授精，使這個女人受孕。在其懷孕四個月後到醫院進行了人工引產。引產出的胎兒被放置在他自己家裡的冰箱內。然後他把一張用白布包裹的桌子放置在露天平臺上，將一條從集市上買回來的狗與那個被引產出來的胎兒一同放在桌子上，為了讓狗能夠吃掉他自己的孩子，他餓了這條狗一整天，又買了些鹵水塗在死胎身上以增強狗的食欲。由於死胎已經很大，狗無從下嘴，他只好用餐刀將這個死胎切成小塊去餵食那條狗。整個過程持續了近二十分鐘，直到狗不吃了為止。 以上即是朱昱最主要的幾個行為藝術作品，首先，我對他在《獻祭》和《植皮》裡所表現出的那種對藝術的獻身精神表示敬意，一個具有偉大的獻身精神的藝術家是值得世人尊敬的，而不是反之。就我的理解，朱昱的《全部知識學基礎》和《袖珍神學》兩件藝術作品是在探討肉體和精神分離之後的境況。人是文化意義上的人，脫離了精神的屍體，已不是人。即便是精神和思維的載體——大腦，脫離了精神一樣毫無價值、毫無意義。正如笛卡兒說：我思故我在！可是現在這個世界上有那麼多人沒有靈魂、沒有精神也不去思考，他們一樣活著，但他們和一具屍體有什麼區別呢？所以我認為這兩件作品是對欲望代替情感、金錢操縱靈魂的這種現實的批判，而且《袖珍神學》裡的那條長長的繩子應該是一個長長的隱喻，我想它是在尋找丟失的精神。《植皮》裡宣揚的應該是一種自我犧牲的精神，朱昱可以用自己身體的一部分去補救一塊毫無用處的死肉，那麼我在想他對一切活著的肉體和痛苦會是一種什麼樣的態度呢？《食人》這件作品會引起每個人的生理反應，我相信，只要你是人，你就不會對這種行為無動於衷。在人類歷史上有很多次戰爭和饑荒，都發生過人吃人的現象，所有人都知道這是醜惡的，然而這種事情畢竟離我們很遙遠，不痛不癢，而朱昱將...